В большом выставочном зале арт-пространства Cube.Moscow 159F Gallery представляет масштабный коллективный проект под кураторством Полины Могилиной «Я вижу с закрытыми глазами»,  в экспозиции — произведения художников, которых объединяет интерес к наблюдению за повседневностью и самобытная оптика восприятия реальности через гипертрофированность художественных образов. На выставке можно будет увидеть работы Дани Соболева, саша святоi, Ольги Калининой, Маргариты Варакиной, Алексея Васильева и Евгения Малышева.   

Среди новых проектов предстоящего открытия: выставка Максима Ксуты «Не могу вспомнить» галереи КультПроект, выставка графических произведений Кати Филипповой и Татьяны Черновой «Царевны» Kupol Gallery, совместная выставка Кирилла Кто и Татьяны Будяк «Нейросеть тоже так может» Syntax Gallery, продолжение коллективного pop-up проект «Корпус 2» от студентов Московской школы современного искусства (MSCA), выставка Арины Франк «Комната» Most Wanted Gallery, выставка Сергея Дергуна «Цветное за серым» галереи M.A.R.S.H., коллективная выставка «Если пролить на землю вино» галереи Mon Art, выставка Евгения Крылова «Ловец снов» Arts Square Gallery, коллективная выставка «Амазонки Новой академии» галереи ЛУЧ, групповая выставка «Грезы» галереи Небеса, ретроспективная выставка Глеба Солнцева «Трансформация» нового резидента Cube.Moscow галереи «Триптих» и выставка Анастасии Аспарагус bubble от Cube.Market.

2 — 31 марта 2024 
Коллективная выставка «Я вижу с закрытыми глазами», 159F Gallery

Новый проект 159F Gallery посвящен размышлениям современных художников о понятии реальности и ее границ. Восприятие реальности напрямую зависит от ее субъективного понимания и определения комплекса характеристик, фиксирующих ее. Поле искусства — зона нейтральных вод, где реальным становится абсолютно все и, одновременно с этим, нет ничего в действительности реального. Представленных на выставке «Я вижу с закрытыми глазами» художников 159F Gallery объединяет интерес к наблюдению за повседневностью и самобытная оптика восприятия реальности через гипертрофированность художественных образов. 

В своих работах, напоминающих масштабированные детские рисунки маркером или дигитальные наброски, художник саша святоi демонстрирует мир размером с мысль и обнажает жестокую утонченность реальности в гипертрофированно упрощенной и насыщенной картинке. На первый взгляд кажущиеся приторно позитивными, они оставляют совсем иное впечатление, вызванное подчеркнутой искусственностью и сверхнеестественностью. Намеренно игнорируя любые правила и условности живописного письма, Даня Соболев создает примитивные экспрессивные композиции, героями которых становятся разные представители фауны. В форме простых сюжетов художник размышляет о непростых состояниях максимального эмоционального напряжения, в которых паника, тревога, неволя и борьба, проявляются ярче всего. Художница Ольга Калинина обращается к самым, казалось бы, обыденным вещам и легко узнаваемым образам, находя в них уникальную красоту реального. Но за кричащими яркими красками и сулящими наслаждение паттернами не так сложно разглядеть ироничную ухмылку и критику массовой коммерциализации. Наш красочный и блестящий мир потребления вовсе не безопасная зона, она заставляет нас играть по своим правилам.

К изучению проблематики современного социума и вопроса идентификации современного человека в общественном пространстве обращается другая молодая художница — Маргарита Варакина. Ее проекты — это попытка переосмыслить технику управления индивидами, формирующую повседневность. Для создания своих чрезвычайно насыщенных и динамичных живописных композиций она обращается к разным формам спонтанных эстетических систем. Алексей Васильевв своей художественной практике документирует ощущения и впечатления от окружающей реальности в форме личного визуального дневника, в котором реальные и воображаемые образы сплавлены в единый конструкт, дополненный текстуальными вставками. Выступая в роли скрупулезного исследователя того, что его окружает, художник предпочитает нырять вглубь и препарировать действительность, а не снимать сливки с ее верхнего слоя. В его работах — ни намека на иллюзорность и правдоподобие. Вместо этого мы сталкиваемся с гротескным сгущением, пластичностью материального и торжествующей амбивалентностью образов. Словно в лабораторной колбе, художник смешивает две субстанции между собой, и мы теряем последнюю надежду различить границы реального и вымышленного.

В псевдобарочных натюрмортах Евгения Малышева эстетика разрушения подчеркивается мрачным колоритом, напоминающим обстановку света инфракрасных ламп в темных комнатах. Заросшие зеленью и опутанные липкой паутиной роскошные предметы становятся свидетелями смены времен и заложниками неизбежного руинирования. Накладывая один за другим слои из будто бы параллельных реальностей, художник создает пугающе красивые и притягательно жуткие артефакты, в которых гиперреалистичная материальность переплетена с цифровыми сбоями самым крепким кружевом воображения. 

2 — 31 марта 2024

Коллективная выставка «Амазонки Новой академии», галерея ЛУЧ

Белла Матвеева, Синий профиль, Волновая генетика

Галерея ЛУЧ открывает выставку «Амазонки Новой академии». Семь известных художниц, имеющих длинный творческий путь в искусстве. В 1990-е годы они работали с Новой академией изящных искусств, основанной Тимуром Новиковым в Петербурге. Тогда, следуя манифесту Тимура, они обратились за вдохновением к классическому искусству и стали развивать новое направление — неоакадемизм. Выставка галереи ЛУЧ объединила произведения разных лет. В них внимательный зритель найдет работу авторов с классическими образами и связь с неоакадемизмом: их интерес к орнаментальности, ориентальным мотивам, технологии, стремление к безупречности рисунка и живописного решения, складки материи, мифологию и многое другое.

Художницы: Аннушка Броше, Наталья Жерновская, Ирена Куксенайте, Белла Матвеева, Айдан Салахова, Юлия Страусс, Ольга Тобрелутс.

2 марта — 7 апреля 2024

Выставка Сергея Дергуна «Цветное за серым», галерея M.A.R.S.H.

Сергей Дергун, Твист эгейн, 2016

Галерея M.A.R.S.H. представляет персональную выставку Сергея Дергуна под кураторством Романа Шалганова. Основное пространство экспозиции отведено под работы из серии «Объём и пространство».

Одним из ключевых объектов поля культурного производства и художественной рефлексии является образ. При этом необходимо отметить, что образ как таковой возникает вовсе не на поверхности, например, холста или графического листа, но над их поверхностью. Точнее, образ возникает в том эфемерном пространстве, которое разделяет наш глаз и ту поверхность, к которой он обращен. 

Глаз испускает взгляд, который обладает определенной проективной силой. Именно в луче нашего активного взгляда обретает себя тот или иной образ. Обретает себя с тем чтобы предъявить себя нам одной из своих сторон, скрыв от нас некоторую глубину.

Художественная практика Сергея Дергуна ориентирована на исследование глубины образа. Используя определенный набор приемов — контраст цвета, объема и плоскости, насыщенности, фактур, тона, перекрывание одной формы другой, изображение отверстий, «дырок», углублений, прорезей — Сергей конструирует такой источник эфемерного образа, который раскрывает нам навстречу свою глубину. Если мы готовы встретиться с тем, что из этой глубины смотрит на нас.

2 — 31 марта 2024

Выставка Евгения Крылова «Ловец снов», Arts Square Gallery

Евгений Крылов, Собиратель яблок, 2016

Arts Square Gallery представляет выставку произведений Евгения Крылова «Ловец снов». Евгений Крылов — художник, скульптор, дизайнер, архитектор, экспериментатор, работающий с различными материалами и техниками.  Идеи  художника воплощаются в самых разнообразных направлениях: современное искусство, индустрия моды, ювелирная отрасль и общественные пространства.  

Для того чтобы создать совершенную работу нужен опорный материал —  иногда он произрастает из окружающей нас среды или природы, песчинка или крошечная точка, вокруг которых будет нарастать перламутр. Без такого ядра возникнет лишь бесформенная масса. Точно так же и одаренность художника кристаллизируется в совершенном произведении только в том случае, если он располагает твердой основой — определенной задачей, стержень которой обрастает плотью зримых образов, порождений его таланта.

Сюрреалистические мотивы, фантастический реализм, неоэкспрессионизм присутствуют в работах Евгения Крылова. Художник изображает реальную или воображаемую вещь не просто смотря на нее широко открытыми глазами, а вооружившись набором известных форм выстраивает требуемый образ. Образный мир Евгения Крылова разнообразен — шмели-детективы, невероятные цветы, доисторические птицы, хлеборобы, ангелы, мотыльки, хамелеоны. 

При взгляде на некоторые работы создается впечатление, что Евгений Крылов, восстающий против традиции, зависит от нее — ведь именно она стимулирует и направляет его поиск. В творчестве художника прослеживается непрерывное движение и переплетение традиции, в котором любое произведение соотносится с прошлым и указывает в будущее. Каждая работа художника призывает к новому исследованию, ведь только так можно разгадать увиденное. Когда исчезают прежние задачи, но на смену им приходят новые, творчество художника приходит к определенным целям, без чего невозможно великое искусство.

Работы художника находятся в частных собраниях и музейных коллекциях стран Европы, Азии и Северной Америки. Художник проживает между Россией и Германией, выставляется по всему миру. В Российских музеях Крылов представлен в Государственном Эрмитаже, Центральный военно-морской музей имени императора Петра Великого, Музее политической истории России, музее современного искусства Эрарта. 

2 — 31 марта 2024

Выставка Максима Ксуты «Не могу вспомнить», галерея КультПроект

Максим Ксута, Не могу вспомнить, 2023

Новый проект Максима Ксуты посвящен теме вдохновения, которое порой находится в самых неожиданных местах. Для художника подобным источником послужили цветовые композиции, которые остаются на стенах и заборах, после того как безымянные маляры, работники муниципальных служб, закрашивают стихийно возникающие в различных частях города граффити. Часто, вместо того чтобы полностью уничтожить следы уличного искусства, они оставляют за собой странные пятна, местами напоминающие ландшафты. Это явление навело художника на размышления о природе памяти, о ее нестабильности и абстрактности, зыбкости воспоминаний.

«В своих работах я попытался воплотить эту идею визуально, создавая абстрактные образы, которые вызывают чувство знакомства, но при этом оставляют место для интерпретации. Каждая картина представляет собой комбинацию размытых форм и цветов, которые могут напоминать о чем-то знакомом, но не до конца различимом. Через работу с текстурой и слоями красок я хотел передать сложность процесса воспоминания. Ведь картины не являются точным отображением какого-то конкретного момента или места, а скорее – абстрактным отражением состояния сознания в процессе попыток вспомнить что-то утраченное», – рассказывает автор, предоставляя своему зрителю полную свободу для индивидуальной интерпретации. 

Представленное на выставке видео — это слайд-шоу, собранное из  фотографий художника, которые он загружал в социальные сети в течение последних 12 лет. «Каждый кадр этого фотоархива становится как бы звеном во времени и мелькает с такой быстротой, что невозможно рассмотреть все детали. Этот эффект схож с тем, как наша память иногда изменяет  и неточно воспроизводит давние моменты», ­— Максим Ксута. 

Особого внимания заслуживают работы в боксах и технология их изготовления: автор использует материал текстолит с нанесенной на него медью для плат, платы покрываются черным лаком, или полиграфической краской, а затем доски по лаку нарезаются иглой. «Принцип — как готовится офорт, но поскольку травить их невозможно из-за очень тонкого слоя меди на них, я решил оставить так, как бы — нон финито, что по-своему неплохо, поскольку превратило их в уникаты», — Максим Ксута.

Кураторы: Юлия Манусевич и Ирина Солнцева. 

2 — 31 марта 2024

Коллективная выставка «Грезы», галерея Небеса

Анастасия Кузнецова, Невесомость, 2014

Грезы — состояние, при котором контакт человека с реальностью размыт и частично заменяется фантазией. Человек в реальной жизни начинает погружаться в свои мечты, вымышленные миры и сюжеты счастливых и приятных мыслей. В определенный момент процессы конструирования воображаемых миров и витания в мечтах могут приобрести обостренную форму, при которой все внезапно оказывается переплетенным и смешанным, словно галлюцинацией.

Выставка «Грезы» под кураторством Романа Куценко объединяет произведения 9 современных художников, работающих в разных техниках: живопись, графика, скульптура, керамика, стекло, ольфакторное искусство. Связующее для всех участников выставки начало — лавирование вдоль призрачной границы между объективной реальностью и ирреальным миром видений полного грез и фантазмов. В представленных работах художники развивают идеи личных мифологических систем и выражают свое особое, индивидуальное психо-эмоциональное восприятие действительности.

Все пространство галереи предстает алхимической кухней, на которой в одном котле, перемешавшись, медленно кипят разнородные художественные метафоры, фантастические сюжеты, миры, персонажи, истории и иллюзии. Выставка вступает в бессознательный диалог со зрителем, коммуницируя с помощью образов на уровне реакций, инстинктов и ощущений.

Художники: Наталья Попова, Маграрита Гущенец, Анна Кабирова, Анна Сярова, Диана Мазокина, Кирилл Клоков, Кристина Павлова, Анастасия Кузнецова, Женя Николаева. 

2 — 31 марта 2024

Выставка Глеба Солнцева «Трансформация», галерея Триптих

Глеб Солнцев, Прыжок, 2023

Первая выставка нового резидента арт-платформы Cube.Moscow, галереи «Триптих» — ретроспектива Глеба Солнцева «Трансформация». Выставка показывает мастерство художника, работающего в разных медиа и прошедшего путь от классического живописца до современного мультидисциплинарного художника, использующего для создания своих работ разнообразные современные технологии. Работы в экспозиции наглядно показывают трансформацию, через которую прошел художник в течение своего творческого пути.

Длительное время Солнцев экспериментировал в области живописи, параллельно занимаясь коммерческой иллюстрацией, что представлялось ему драматичной ситуацией несовместимости форм. Совмещение живописных и иллюстративных методов и подходов реализовалось в идее использования акрилового стекла, на котором осуществляется печать изображений, что позволило решить непримиримость двух медиа. Живописная традиция и академическое образование стало источником цветовых решений, а опыт иллюстратора основой для работы с пространством, пластикой и линиями. Ряд работ выполнен с использованием технологии дополненной реальности, позволяющей смотреть и открывать для себя работу не только в физическом, но и в виртуальном пространстве.

Симбиоз сознания художника и искусственного интеллекта также является важной темой в творчестве художника. Проект, созданный Глебом Солнцевым совместно с инженером нейронных сетей Алексеем Газиевым стал стартом создания работ серии @Sun.Gaz, выполненных с помощью одноименной нейросети. Выставка, посвященная проекту, прошла в Кракове, Берлине, Токио, Новосибирске.  

Серия «Пластика лихих» про детство Глеба, прошедшее в постсоветской Москве 90-ых, когда экономическая переориентация и процессы глобализации трансформировали облик столицы, а рынки и магазины изобиловали товарами из пластмассы. Пластик был не просто материалом, а символом целой эпохой.

Живописные работы, представленные на выставке уже про 2000-е с его свалками, заброшками и вещевыми рынками. Эти работы также созданы при помощи нейросети. Эксперимент художника заключается в том, что нейросеть, опираясь на набор изображений, заданных через ключевые слова(prompt) предлагает свое видение некоторого общего понятия этих тезисов. Для автора важно, что благодаря нейродифузии изображений рождается усреднённый образ: Родина, 2000-е, заброшка, Россия. Отсутствие у нейросети знаний о реальности приводит к максимально абстрактному и отстраненному изображению, которое в свою очередь является опорой для живописной работы художника, наполняющего изображение своими личными ассоциациями, взятыми из экзистенциального и визуального опыта.  

О художнике: Иллюстратор и художник Глеб Солнцев родился в Тбилиси, учился рисовать в художественной школе им. Серова, МГПУ, ИСИ, ВГИКе. Активно занимается творческой деятельностью, создаёт картины на острые социальные темы и не только. Участник множества групповых и персональных выставок. Его работы находятся в коллекциях в России и за рубежом. Работал со множеством журналов (Esquire, GQ, СНОБ, Афиша, Большой город и т.д.), в 2020 создал панно в фойе ГОГОЛЬ Центра и обложку декабрьского/коллекционного номера Esquire. Создатель 12-этажного мурала с дополненной реальностью в Липецке.

2 марта — 14 апреля 2024

Выставка Арины Франк «Комната», Most Wanted Gallery 

Марина Франк, Детки

Героини живописных работ Арины Франк находятся внутри сдавливающих пространств. Дребезжание и скрежет, шепот и шаги за спиной, крики за окном и ритмичный скрип качелей — это оркестр, который подыгрывает тревоге. Дети в произведениях художницы всегда начеку. Где-то там — ужас. Их защищают отчужденные от внешнего мира женщины — уставшие фигуры.

«Помню дом в Питере, когда я только пошла в сад. В квартире была типовая планировка и ничем не примечательный ремонт. Размыто вижу, что и где стоит. Но только в двух комнатах: ванной и жилой. Кухня была закрытым для меня местом, — территорией отца.

Я возвращаюсь в эти воспоминания со своей небольшой кровати, лежа на боку. Изображение повернуто на 90 градусов, где 0 — моя голова на подушке. Думаю, что то место как башня часового или будка пса. Именно с него открывался вид и на окно слева, и на коридор впереди, и на родительскую кровать справа. Я много чего видела с той точки и до сих пор вижу, если закрываю глаза. Правда детально помню только белую глянцевую плитку в ванной. Других цветов нет — всё тусклое и выгоревшее. Тогда у меня не было детской. Был маленький уголок, где часто становилось страшно.

Позже, в Твери у меня появилась своя комната. Вокруг были Том и Джерри на голубом фоне. Сейчас, будучи взрослой, я успела пожить в разных местах. Где на стенах были: криво покрашенные обои с оранжевыми дырочками от клопов; советские бумажные вензеля; тошный абрикосовый оттенок; лепнина; трещина. Все эти места становились моим домом, — коробкой куда я складывала себя. Местом, где иногда слишком хорошо, а иногда невозможно
больно», — художница Арина Франк.

2 марта — 5 апреля 2024

Совместная выставка Кирилла Кто и Татьяны Будяк «Нейросеть тоже так может», галерея Syntax 

Кирилл Кто, Валяться, 2023

Торжественные слова «художественная династия», казалось бы, совсем не подходят для Татьяны Будяк и Кирилла Кто. Ведь под династией обычно подразумевается альтернатива школе, домашняя академия, где тайны мастерства передаются от старшего поколения к младшему не в классе, а по воздуху — благодаря самой творческой обстановке дома-мастерской. Но оба, мать, инженер-физик по профессии, и сын, не имеющий никакой профессии, кроме уличного искусства, автодидакты, и каждый из них шел к своему мастерству — мозаичных или текстовых композиций — самостоятельно, своим отдельным путем. К тому же династия предполагает такое вхождение в мир искусства, когда младшие следуют проторенной дорожкой старших. Но это сын, к двадцати пяти годам сделавшийся мэтром российского стрит-арта, помог матери, начинающему дизайнеру, в ее галерейно-выставочной карьере. И все же их можно назвать династией: обоих художников роднит напряжение внутреннего конфликта — между утопией свободного искусства в общественном пространстве и практикой ин-терьерного станковизма, между камерностью формата и монументальными амбициями, между мечтой об улице и реальностью комнаты, выходить из которой, как известно, ошибка.

Мозаики Татьяны Будяк, собранные не из смальты, а из осколков кафельной плитки, невелики по размерам, но их нетрудно принять за эскизы к гигантским декоративным панно. Эти мнимые эскизы невольно напоминают о монументальном искусстве времен оттепели и застоя, о мозаичных композициях, предельно схематичных или вовсе абстрактных, что предназначались для архитектурных ансамблей советского послевоенного модернизма. Таким заповедником модернизма 1960-х и был Зеленоград, столица советской микроэлектроники, где Татьяна Будяк работала инженером и где родился Кирилл Кто — кафель для материнских мозаик он находил на помойках или в идущих под снос домах, дрейфуя по городу. Из этого мусорного материала составляются воспоминания о несостоявшемся будущем — в 1990-е, когда утопия наукограда осталась в прошлом, зеленоградские мозаики, как и мозаики на всем пространстве бывшего СССР, стали ветшать и уничтожаться. Однако на смену отжившему монументальному проекту сам собой пришел другой, стихийный: бетонные джунгли модернистских районов оказались естественной средой для хип-хоп-культуры и граффити — к концу 1990-х на счету Кирилла Кто было устройство первых граффити-фестивалей в Зеленограде. Советский монументализм и постсоветский стрит-арт — династическая преемственность парадоксальным образом сказывается в том, что мать и сын обра- щаются к последовательно сменившим одна другую формам дизайна городской среды. Утопия анархистского уличного искусства тоже быстро потерпела поражение: социальные сети, урбанистическая апроприация, борьба с вандализмом — все это уводило художника с улицы в мастерскую. Но игривая разноцветная кириллица Кирилла Кто, даже в переводе со стены на холст, сохраняет память о языке улицы, о живой разговорной речи.

О художнике: 

Кирилл Лебедев (Кто) родился в 1984 году в Зеленограде. Участник арт-групп «Зачем?» (2002– 2009) и No Future Forever (2005–2009). Сокуратор проекта «Стена» (Центр современного искусства «ВИНЗАВОД», 2010–2013), инициатор и организа- тор первой в России премии в области уличного искусства «уЛичный вклад» (2013), соорганизатор персональной выставки Паши 183 «Наше дело подвиг!» (Московский музей современного искусства, 2014). 2012 – включен в список 50 самых влия- тельных людей в русском искусстве (по версии журнала “АртХроника”, Москва). 2013 – включён в список 20 самых влия- тельных художников (по версии журнала Artguide).

2 — 31 марта 2024

Совместная выставка Кати Филипповой и Татьяны Черновой «Царевны», Kupol Gallery

Катя Филиппова, Оружейная палата номер 6 

Kupol Gallery представляет выставку Кати Филипповой и Татьяны Черновой «Царевны». В экспозиции — живописные полотна, созданные по мотивам русской народной сказки «Царевна-Лягушка», а также серия эклектичных коллажей в древнерусском стиле.

Катя Филиппова, яркий представитель петербургского андерграунда 1980-х годов, совмещает в своем творчестве дворцовую роскошь России рубежа веков и протестный дух позднесоветской эпохи. Ее излюбленным творческим приемом является коллаж, техника, которая лучше всего отображает эклектичность ее творчества. Представленные на выставке работы отсылают к женским образам монарших особ. Источником вдохновением Кати Филипповой стал бал 1903 года, приуроченный к трехсотлетию дома Романовых и воспевающий эстетику древнерусского костюма допетровской эпохи. Эти коллажные работы отсылают нас к образам царевен из русских народных сказок. К этому же образу обращается и Татьяна Чернова в своей серии живописных работ «Царевна- Лягушка».

Представленные работы помещают нас в пространство русской народной сказки. Татьяна Чернова наследует у Ивана Билибина его верность и точность в изображении сказочных персонажей, сохраняя свой уникальный творческий стиль и манеру. Работы, представленные на выставке, объединяет глубокое уважение и исследовательский интерес к традициям и ремесленничеству допетровской Руси.

2 марта — 7 апреля 2024

Коллективная выставка «Если пролить на землю вино», галерея Mon Art

Оля Австрейх, Something in my teeth, 2022

В античности праздников было больше, чем будних дней, особенно весной. Начиналось все мрачно — самые древние праздники были связаны с погребальными культами. Уже на заре цивилизации люди любили своих близких и поклонялись их душам, делая из этого праздник. В дальнейшем люди стали отмечать для себя явления природы — чередование дня и ночи, последовательность сезонов, видимые глазу циклы движения небесных тел.

Праздничные обряды  основных древних цивилизаций, возникших на рубеже IV-III тысячелетия до нашей эры, а именно — Шумерской, древнего Египта, древнего Китая были очень схожи: праздники весеннего равноденствия, время разлива рек, начала посевного периода и сбора урожая. В период античных цивилизаций Древней Греции и Древнего Рима, возникших на рубеже I тысячелетия до нашей эры, появляются  новые традиции, сохранившиеся до наших дней — люди устраивают праздники в честь богов и совместно празднуют значимые события в жизни народа — олимпиады, победы, значимые даты.

Мистерии, сатурналии, вакханалии — эти древние  формы праздненств несут на себе печать тайны, они связывали человека с природой и богами, срывали покровы благопристойности, погружали в священное безумие.

Зигмунд Фрейд отмечал, что праздники представляют собой прорыв различных табу и запретов, налагаемых подсознанием на наше сознание в обыденной жизни, являясь по существу своеобразной психологической разрядкой. В момент такого прорыва человек испытывает чувство освобождения, что придаёт любому празднику азарт и веселье. 

Сейчас в праздники можно позволить себе немного больше, именно об этом размышляют современные художники в своих работах. 

Художники: Оля Австрейх, Янита Войт, Анна Канфер, Алина Клаванская.

Куратор: Инна Мурашева. 

2 — 31 марта 2024

Коллективная выставка «Корпус 2», Московская школа современного искусства (MSCA)

Марина Грекова, Регрессия памяти, 2023

В рамках второй части проекта «Корпус» будут представлены работы четырех художниц выпускного курса программы «Современное искусство» Московской школы современного искусства (MSCA).

Осмысляя и прорабатывая свою художественную идентичность, авторы задаются вопросами взаимодействия и позиционирования индивида во вне. 

Изменяющийся внешний ландшафт порождает спектр разнообразных стратегий адаптации. В рамках творческих практик такие процессы приводят к созданию замещающих объектов как результат художественного размышления. Работы объединены в своеобразный корпус реакций: от построения внешней защиты до проявления максимально уязвимых аспектов личности художника.

В данном контексте понятие корпуса является не только сводом произведений, но и анатомической метафорой некого внешнего тела, обозначающего свои границы под влиянием окружения. С другой стороны — это внутренняя основа и своеобразная база, несущая оболочка. 

Художники: Екатерина Осипова, Кристина Пуршина, Анна Епишина, Марина Грекова.

Кураторы: Жанна Бобракова, Михаил Левин.

2 — 31 марта 2024

Выставка Анастасии Аспарагус bubble, Cube.Market

Настя Аспарагус, поле-полечко, 2024

Анастасия Аспарагус в своих работах изучает метаморфоз из ребенка во взрослого, самоопределение самого себя, а также многообразие 

проявления чувств. Художница трепетно относится к исследованию ментального здоровья личности и как взаимоотношение человека с внешним миром может повлиять на его дальнейшие действия и решения.

На выставке раскрывается тема ограничений, которые человек накладывает на самого себя. Художница исследует этот процесс через образ пузырей, которыми мы окружаем себя, создавая свои собственные рамы — символы личного пространства и границ. Каждая индивидуальная рама становится визуальным представлением того, как мы формируем свое внутреннее мироощущение, опираясь на личные ценности и опыт. Это своеобразные психологические артефакты, в которых мы обитаем, иногда осознанно, а иногда под влиянием внешних факторов.

Особенно увлекательной частью в этом исследовании являются объемные инсталляции из воздушного пластилина, которые авторка использует для подчеркивания взаимосвязи между внутренним миром и внешним окружением. Инсталляции переносят персонажей в трехмерное пространство, словно разрывая границу между реальностью и внутренним миром — становятся мостом между абстрактным восприятием наших границ и их воздействием на внешний мир.

Работы, представленные на выставке, призывают зрителей заглянуть внутрь собственных рамок, а объемные инсталляции служат метафорой для потенциального освобождения от личных ограничений. Экспозиция становится местом наблюдения за влиянием внутреннего мира на внешний, сложных взаимосвязей личности и окружающего мира. Художница создает пространство для размышлений о том, как наши личные «пузыри» влияют на нашу жизнь и взаимодействие с окружающим обществом.

Оформление работ Анастасии Аспарагус реализовано при поддержке партнеров Cube.Moscow — компании «ArtinBox». Команда «ArtinBox» изготовила минималистичный багет из необработанной ольхи, который подчеркивает трогательность работ художницы.

О художнице: Анастасия Аспарагус окончила Свободные мастерские ММОМА, принимала участие в групповых выставках в Новой Третьяковке и галерее «ЗДЕСЬ на Таганке» Андрея Бартенева. Художница работает с живописью, графикой и объектами. В своих проектах изучает метаморфоз из ребенка во взрослого, самоопределение самого себя, а также многообразие проявления чувств. Художница очень трепетно относится к исследованию ментального здоровья личности и как взаимоотношение человека с внешним миром может повлиять на его дальнейшие действия и решения.

Входные билеты в пространство